Parthenogenesis II moves between figure, sculpture, and icon. The central form appears less as ahuman body than as a condensed volume assembled from glossy black, pale, and flesh-toned masses.Its individual elements simultaneously evoke anatomical fragments, inflated synthetic forms, andabstract sculptural components. Suspended between recognition and abstraction, the figure resistsfixed interpretation, existing instead as a body in the process of becoming.The painting draws on the long tradition of the studio image, recalling the material sensitivity ofsixteenth- and seventeenth-century Flemish painting, where the rendering of surfaces became anartistic subject in its own right. Here, light does more than define volume; it produces an almost tactilepresence. Reflections glide across the figure as if over polished marble, lacquered metal, glass, or highlyburnished stone, giving the painted body an unmistakably sculptural quality. The work oscillatesbetween painting and object, foregrounding the historical dialogue between the two disciplines.The title refers to the biological phenomenon of parthenogenesis—the creation of life withoutfertilization. Rather than illustrating the scientific process, the painting adopts it as a conceptualframework for thinking about autonomy, self-sufficiency, and self-creation. The figure appears completewithout requiring an external counterpart. It functions as a closed system, existing simultaneously asorganism, object, and sign.Created during a residency at the International Studio & Curatorial Program (ISCP) in New York, the workalso absorbs the atmosphere of a city shaped by ideals of individual reinvention, visibility, and constantself-transformation. The figure is not a portrait of a specific person but an image of a contemporarycondition: poised between self-invention, self-assertion, and perpetual transformation.Rather than offering a psychological narrative, Parthenogenesis I investigates the relationship betweenform, surface, and embodiment. The figure appears at once vulnerable and monumental, organic andartificial. In doing so, the painting moves beyond the depiction of an individual, proposing instead acontemporary icon of autonomy—one that reflects both the emancipatory promise and the profoundambivalence of constructing the self in the twenty-first century.

Parthenogenesis II bewegt sich zwischen Figur, Skulptur und Ikone. Die zentrale Form erscheint weniger als menschlicher Körper denn als verdichtetes Volumen, das sich aus glänzend schwarzen, hellen und fleischfarbenen Formen zusammensetzt. Ihre einzelnen Elemente erinnern zugleich an anatomische Fragmente, aufgeblähte synthetische Gebilde und abstrakte skulpturale Komponenten. Zwischen Wiedererkennbarkeit und Abstraktion schwebend, entzieht sich die Figur einer eindeutigen Deutung und erscheint vielmehr als ein Körper im Prozess des Werdens.

Das Gemälde knüpft an die lange Tradition des Atelierbildes an und erinnert an die ausgeprägte Materialsensibilität der flämischen Malerei des 16. und 17. Jahrhunderts, in der die Darstellung von Oberflächen selbst zum künstlerischen Thema wurde. Licht dient hier nicht allein dazu, Volumen zu definieren, sondern erzeugt eine beinahe haptische Präsenz. Reflexe gleiten über die Figur, als würden sie über polierten Marmor, lackiertes Metall, Glas oder hochglanzpolierten Stein wandern, wodurch der gemalte Körper eine unverkennbar skulpturale Qualität erhält. Das Werk bewegt sich zwischen Malerei und Objekt und macht den historischen Dialog zwischen beiden Disziplinen sichtbar.

Der Titel verweist auf das biologische Phänomen der Parthenogenese – die Entstehung von Leben ohne Befruchtung. Anstatt diesen wissenschaftlichen Prozess zu illustrieren, nutzt das Gemälde ihn als konzeptuellen Bezugsrahmen, um über Autonomie, Selbstgenügsamkeit und Selbsterschaffung nachzudenken. Die Figur erscheint vollständig, ohne auf ein äußeres Gegenüber angewiesen zu sein. Sie funktioniert als geschlossenes System und existiert zugleich als Organismus, Objekt und Zeichen.

Entstanden während eines Aufenthalts im International Studio & Curatorial Program (ISCP) in New York, nimmt das Werk zugleich die Atmosphäre einer Stadt auf, die von den Idealen individueller Neuerfindung, Sichtbarkeit und permanenter Selbsttransformation geprägt ist. Die Figur ist kein Porträt einer bestimmten Person, sondern ein Bild einer zeitgenössischen Verfasstheit – angesiedelt zwischen Selbsterfindung, Selbstbehauptung und fortwährender Transformation.

Anstatt eine psychologische Erzählung zu entwickeln, untersucht Parthenogenesis II das Verhältnis von Form, Oberfläche und Verkörperung. Die Figur erscheint zugleich verletzlich und monumental, organisch und künstlich. Damit geht das Gemälde über die Darstellung eines Individuums hinaus und entwirft stattdessen eine zeitgenössische Ikone der Autonomie – eine Ikone, die sowohl das emanzipatorische Versprechen als auch die tiefgreifende Ambivalenz der Konstruktion des Selbst im 21. Jahrhundert widerspiegelt.